Dans les coulisses de « MOTHER »

MOTHER a commencé avec une image très précise : un mannequin enceinte. Avant de penser au magasin ou au style visuel, ce qui m'intéressait était cette contradiction — un corps en plastique, créé pour être regardé, portant une image de la maternité. Un mannequin n'a ni biologie, ni désir, ni histoire personnelle, mais dès qu'on la voit enceinte, nous projetons immédiatement sur elle des idées de vie, d'attente, de soin et de féminité.

Le cœur émotionnel du court métrage apparaît lorsque quelque chose comme un instinct de protection commence à s'éveiller en elle. Quand elle s'approche du mannequin enfant et lui met un petit chapeau, elle tente d'accomplir un geste maternel, délicat, humain. Mais à ce moment précis, elle découvre aussi sa propre limitation : son anatomie rigide, imparfaite, artificielle n'a pas été conçue pour prendre soin — elle a été conçue pour poser. Ce qui devrait être un geste tendre devient maladroit et tragique. Pour moi, cette tension définit le film : une figure construite pour représenter la maternité, mais incapable de véritablement l'incarner.

Je ne voulais pas faire un film d'horreur. J'étais plus intéressé par la création d'un drame psychologique silencieux et étrange, raconté presque entièrement du point de vue du mannequin. C'est pourquoi le film a très peu de dialogues. Elle ne peut pas expliquer ce qui lui arrive ; tout devait être construit à travers de petits gestes, des pauses, de la raideur et la façon dont elle regarde ou touche les choses. L'émotion devait apparaître comme une petite fissure à l'intérieur d'un objet.

Le vieux grand magasin est devenu l'espace parfait pour cette histoire : un monde de vitrines, de vêtements, de lumières, de reflets et de désir de consommation, où tout est conçu pour être exposé. Même la nuit, les lumières restent allumées. Rien n'est vraiment caché. Le mannequin existe à l'intérieur de cette exposition permanente : elle a été faite pour être vue, pas pour ressentir.

Pour moi, l'intelligence artificielle n'était qu'un outil à l'intérieur d'un processus très proche d'une production de film traditionnelle. L'idée est venue d'abord, puis les personnages, le scénario, le storyboard, la direction de chaque plan, le montage, le son et la couleur. Flick a été essentiel pour maintenir ce processus organisé. J'ai travaillé entièrement dans Flick, en utilisant le canvas infini pour générer, comparer et organiser les images, construire l'histoire plan par plan, et décider quelles prises avaient la cohérence émotionnelle et narrative la plus forte.

Il a également été extrêmement précieux de travailler avec différents moteurs dans le même environnement. Pour la vidéo, j'ai principalement utilisé Seedance 2.0 et Gemini OmniFlash ; pour les images, j'ai surtout utilisé GPT Image 2, car il me donnait une texture qui se rapprochait du type de cinéma que je voulais faire. Après cela, tout est passé par un processus de montage approfondi dans DaVinci Resolve, où j'ai travaillé sur le rythme, la continuité, la couleur et l'atmosphère.

Je me sens très chanceux d'être le premier cinéaste à créer le premier film Flick Originals. Pour moi, MOTHER représente le type de cinéma qui peut émerger lorsque la technologie est mise au service d'une idée claire. Au-delà de l'IA, ce qui maintient le court métrage est la même chose qui maintient n'importe quel film : une image initiale puissante, une intention émotionnelle précise et de nombreuses décisions créatives prises avec soin.