Hinter „MOTHER"

MOTHER begann mit einem sehr spezifischen Bild: einer schwangeren Schaufensterpuppe. Bevor ich über das Kaufhaus oder den visuellen Stil nachdachte, interessierte mich dieser Widerspruch – ein Plastikkörper, geschaffen um gesehen zu werden, der ein Bild von Mutterschaft trägt. Eine Schaufensterpuppe hat keine Biologie, kein Verlangen und keine persönliche Geschichte, aber in dem Moment, in dem wir sie schwanger sehen, projizieren wir sofort Vorstellungen von Leben, Warten, Fürsorge und Weiblichkeit auf sie.

Der emotionale Kern des Kurzfilms erscheint, wenn so etwas wie ein Fürsorgeinstinkt in ihr zu erwachen beginnt. Als sie sich der Kinderpuppe nähert und ihm ein kleines Hütchen aufsetzt, versucht sie eine mütterliche, zärtliche, menschliche Geste auszuführen. Doch im selben Moment entdeckt sie auch ihre eigene Begrenztheit: Ihre starre, unvollkommene, künstliche Anatomie wurde nicht zum Pflegen geschaffen – sie wurde zum Posieren geschaffen. Was eine zärtliche Geste sein sollte, wird unbeholfen und tragisch. Für mich definiert diese Spannung den Film: eine Figur, die gebaut wurde um Mutterschaft darzustellen, aber unfähig ist, sie wirklich zu verkörpern.

Ich wollte keinen Horrorfilm machen. Mich interessierte es mehr, ein ruhiges, fremdes psychologisches Drama zu erschaffen, das fast vollständig aus der Perspektive der Schaufensterpuppe erzählt wird. Deshalb hat der Film sehr wenig Dialog. Sie kann nicht erklären, was mit ihr geschieht; alles musste durch kleine Gesten, Pausen, Steifheit und die Art aufgebaut werden, wie sie Dinge ansieht oder berührt. Die Emotion musste wie ein kleiner Riss in einem Objekt erscheinen.

Das alte Kaufhaus wurde zum perfekten Raum für diese Geschichte: eine Welt aus Auslagen, Kleidung, Lichtern, Spiegelungen und Konsumverlangen, in der alles darauf ausgelegt ist, ausgestellt zu werden. Selbst nachts bleiben die Lichter an. Nichts ist wirklich verborgen. Die Schaufensterpuppe existiert in dieser permanenten Ausstellung: Sie wurde geschaffen um gesehen zu werden, nicht um zu fühlen.

Für mich war künstliche Intelligenz nur ein Werkzeug innerhalb eines Prozesses, der einer traditionellen Filmproduktion sehr nahe kam. Zuerst kam die Idee, dann die Charaktere, das Drehbuch, das Storyboard, die Regie jeder Einstellung, der Schnitt, der Ton und die Farbe. Flick war essenziell, um diesen Prozess organisiert zu halten. Ich arbeitete vollständig in Flick und nutzte den unendlichen Canvas, um Bilder zu generieren, zu vergleichen und zu organisieren, die Geschichte Einstellung für Einstellung aufzubauen und zu entscheiden, welche Takes die stärkste emotionale und narrative Kohärenz hatten.

Es war auch extrem wertvoll, mit verschiedenen Engines in derselben Umgebung zu arbeiten. Für Video nutzte ich hauptsächlich Seedance 2.0 und Gemini OmniFlash; für Bilder verwendete ich meist GPT Image 2, weil es mir eine Textur gab, die der Art von Kino nahe kam, das ich machen wollte. Danach durchlief alles einen umfangreichen Schnitt-Prozess in DaVinci Resolve, wo ich an Rhythmus, Kontinuität, Farbe und Atmosphäre arbeitete.

Ich fühle mich sehr glücklich, der erste Filmemacher zu sein, der den ersten Flick Originals Film erschaffen hat. Für mich repräsentiert MOTHER die Art von Kino, die entstehen kann, wenn Technologie in den Dienst einer klaren Idee gestellt wird. Jenseits von KI wird der Kurzfilm von demselben zusammengehalten, was jeden Film zusammenhält: ein kraftvolles ursprüngliches Bild, eine präzise emotionale Intention und viele kreative Entscheidungen, die mit Sorgfalt getroffen wurden.