Dietro le quinte di "MOTHER"

MOTHER è iniziato con un'immagine molto specifica: un manichino incinto. Prima di pensare al negozio o allo stile visivo, ciò che mi interessava era quella contraddizione — un corpo di plastica, creato per essere visto, che porta con sé un'immagine di maternità. Un manichino non ha biologia, né desiderio, né storia personale, ma nel momento in cui lo vediamo incinto, proiettiamo immediatamente su di esso idee di vita, attesa, cura e femminilità.

Il nucleo emotivo del cortometraggio emerge quando qualcosa di simile a un istinto di cura inizia a risvegliarsi in lei. Quando si avvicina al manichino bambino e gli mette un cappellino, sta cercando di compiere un gesto materno, delicato, umano. Ma in quello stesso momento, scopre anche il proprio limite: la sua anatomia rigida, imperfetta, artificiale non è stata creata per prendersi cura — è stata creata per posare. Quello che dovrebbe essere un gesto tenero diventa goffo e tragico. Per me, quella tensione definisce il film: una figura costruita per rappresentare la maternità, ma incapace di viverla veramente.

Non volevo realizzare un film horror. Ero più interessato a creare un dramma psicologico silenzioso e straniante, raccontato quasi interamente dal punto di vista del manichino. Per questo il film ha pochissimi dialoghi. Lei non può spiegare cosa le sta accadendo; tutto doveva essere costruito attraverso piccoli gesti, pause, rigidità e il modo in cui guarda o tocca le cose. L'emozione doveva apparire come una piccola crepa dentro un oggetto.

Il vecchio grande magazzino è diventato lo spazio perfetto per questa storia: un mondo di vetrine, abbigliamento, luci, riflessi e desiderio consumistico, dove tutto è progettato per essere esposto. Anche di notte, le luci rimangono accese. Nulla è veramente nascosto. Il manichino esiste dentro quella permanente esposizione: è stato creato per essere visto, non per sentire.

Per me, l'intelligenza artificiale è stata solo uno strumento all'interno di un processo molto vicino a una produzione cinematografica tradizionale. Prima è venuta l'idea, poi i personaggi, la sceneggiatura, lo storyboard, la regia di ogni inquadratura, il montaggio, il sonoro e il colore. Flick è stato essenziale per mantenere quel processo organizzato. Ho lavorato interamente dentro Flick, usando il canvas infinito per generare, confrontare e organizzare immagini, costruire la storia inquadratura dopo inquadratura e decidere quali riprese avessero la più forte coerenza emotiva e narrativa.

È stato anche estremamente prezioso lavorare con diversi motori all'interno dello stesso ambiente. Per i video, ho usato principalmente Seedance 2.0 e Gemini OmniFlash; per le immagini, ho usato soprattutto GPT Image 2, perché mi dava una texture che si avvicinava al tipo di cinema che volevo realizzare. Dopo di che, tutto è passato attraverso un esteso processo di editing in DaVinci Resolve, dove ho lavorato su ritmo, continuità, colore e atmosfera.

Mi sento molto fortunato di essere il primo regista a creare il primo film Flick Originals. Per me, MOTHER rappresenta il tipo di cinema che può emergere quando la tecnologia è posta al servizio di un'idea chiara. Al di là dell'AI, ciò che tiene insieme il cortometraggio è la stessa cosa che tiene insieme qualsiasi film: un'immagine iniziale potente, un'intenzione emotiva precisa e molte decisioni creative prese con cura.