Detrás de "MOTHER"

MOTHER comenzó con una imagen muy específica: un maniquí embarazado. Antes de pensar en la tienda o el estilo visual, lo que me interesaba era esa contradicción: un cuerpo de plástico, creado para ser visto, portando una imagen de maternidad. Un maniquí no tiene biología, ni deseo, ni historia personal, pero en el momento en que lo vemos embarazado, inmediatamente proyectamos sobre él ideas de vida, espera, cuidado y feminidad.

El núcleo emocional del cortometraje aparece cuando algo parecido a un instinto de cuidado comienza a despertar en ella. Cuando se acerca al maniquí niño y le coloca un pequeño gorro, está intentando realizar un gesto maternal, delicado, humano. Pero en ese mismo momento, también descubre su propia limitación: su anatomía rígida, imperfecta, artificial no fue hecha para cuidar, fue hecha para posar. Lo que debería ser un gesto tierno se vuelve torpe y trágico. Para mí, esa tensión define la película: una figura construida para representar la maternidad, pero incapaz de habitarla verdaderamente.

No quería hacer una película de terror. Me interesaba más crear un drama psicológico silencioso y extraño, contado casi por completo desde el punto de vista del maniquí. Por eso la película tiene muy poco diálogo. Ella no puede explicar lo que le está sucediendo; todo tenía que construirse a través de pequeños gestos, pausas, rigidez y la manera en que mira o toca las cosas. La emoción tenía que aparecer como una pequeña grieta dentro de un objeto.

El antiguo almacén se convirtió en el espacio perfecto para esta historia: un mundo de exhibidores, ropa, luces, reflejos y deseo consumista, donde todo está diseñado para ser exhibido. Incluso de noche, las luces permanecen encendidas. Nada está verdaderamente oculto. El maniquí existe dentro de esa exposición permanente: fue hecho para ser visto, no para sentir.

Para mí, la inteligencia artificial fue solo una herramienta dentro de un proceso que estuvo muy cerca de una producción cinematográfica tradicional. Primero vino la idea, luego los personajes, el guion, el storyboard, la dirección de cada toma, el montaje, el sonido y el color. Flick fue esencial para mantener ese proceso organizado. Trabajé completamente dentro de Flick, usando el lienzo infinito para generar, comparar y organizar imágenes, construir la historia toma por toma, y decidir qué tomas tenían la coherencia emocional y narrativa más fuerte.

También fue extremadamente valioso trabajar con diferentes motores dentro del mismo entorno. Para video, utilicé principalmente Seedance 2.0 y Gemini OmniFlash; para imágenes, utilicé mayormente GPT Image 2, porque me daba una textura que se sentía cercana al tipo de cine que quería hacer. Después de eso, todo pasó por un extenso proceso de edición en DaVinci Resolve, donde trabajé en el ritmo, la continuidad, el color y la atmósfera.

Me siento muy afortunado de ser el primer cineasta en crear la primera película de Flick Originals. Para mí, MOTHER representa el tipo de cine que puede surgir cuando la tecnología se pone al servicio de una idea clara. Más allá de la IA, lo que sostiene el cortometraje es lo mismo que sostiene cualquier película: una imagen inicial poderosa, una intención emocional precisa y muchas decisiones creativas hechas con cuidado.