“疲惫双眼”背后

多年来，我最喜欢做的事情之一，就是听音乐，然后沉浸到这首歌在我脑海中勾勒出的场景里。

有时画面非常清晰：一个角色穿行在森林中；一台摄像机悬浮在某人身后；一只陌生的手在黑暗中浮现。有时那只是一种情绪，或是一种色彩，一种“这里应该有一个场景”的感觉，即便我还不知道那个场景究竟是什么。这座私人小影院在我脑海中放映了大半辈子，而我也曾以为，这些画面大多会永远停留在那里。

我以设计、绘画和制作交互作品为生。制作一部电影，哪怕只是一部很小的电影，对我来说，一直像是属于另一个时间线里的另一个我——那个拥有更多时间、更多资金、更多耐心、更多人手、更多技术能力的自己。我想，也许有一天我会把这些构想变为现实，但那大概要等到很久以后，也许等我年纪更大一些，也算是“挣得”了休假的资格，可以为了不为什么特别的理由去做一些美丽而“无用”的东西——但绝不是在35岁的时候。

所以，与 Flick 合作最奇妙的部分，就是这个旧有的假设崩塌得有多快。

将 Flick 融入工作流程

一开始我基本上只是在测试。我生成图像、尝试镜头、修改提示词、寻找角色、然后又推翻重来。它的界面简单得几乎让人生疑——但我很喜欢这一点，只是也让我不禁怀疑，在这个平台里，这个项目究竟能被我推进到什么程度。过了一段时间后，那些零散的测试开始像一张地图的碎片一样彼此呼应起来。一张图暗示了另一张图的方向；一次失败的画面反而给了我更好的场景灵感；某个角色在一次生成中看起来不对劲，却在另一次生成中突然找到了正确的感觉。起初我自己手绘了故事板，但后来我发现，只要我在 Flick 里多摸索一下，故事就会以我从未想到的方式，逐渐显露出它的轮廓。

聊天功能也是这个过程的一部分，虽然一开始我用得不多。我把它当作一个帮助窗口。后来，当我意识到它能够对画布上正在发生的事情作出回应时，它才变得更加有用。我可以笨拙地描述一种感觉，让它对照图像，帮助我把这种模糊的感觉转化为视频模型能更好理解的内容。这一点意义重大。虽然大部分工作仍然是靠我自己去选择、否定、修正、再尝试，但每当我卡在“如何把一个视觉想法翻译成指令”这一步时，聊天功能都能帮助我继续留在项目之中，而不是被卡住。

我学到的最有用的东西之一,几乎和写提示词没什么关系。如果生成的图片已经比较接近了,把它保存到电脑上自己动手修一修,效果会好得多。

一只手可能是错的。一张脸表情对了,但形状不对。背景很美,除了漂浮着一个莫名其妙、原本不该出现的物体。有时构图正是我想要的,但图片里有个破损的小区域,我知道一旦动起来只会更糟。于是我会把它打开在 Photoshop 里,老老实实地把它修到我想要的样子。

角色创作的部分很迷人。把一个模糊的轮廓变成一个我真正有共鸣的角色,这个过程既有趣又令人震撼。这个瞬间对我来说也许是最有力的,它让我看到了世界构建的种种可能性。

我觉得很多人想象中的 AI 创作,就是坐在提示词框前,等机器给你一个成品。也许有时确实是这样。但我的经历更凌乱,也更熟悉。它更像是在做拼贴画,或者修一张照片,或者为客户搭一个合成图,只不过这个合成图如果准备得足够好,竟然可以突然动起来。

粗略的草图也是同样的道理。它们不需要画得多好。有些草图之所以有用,只是因为它们告诉了图像该把东西放在哪里:人在这里,手在那里,机位低一点,身形小一点,光从背后打过来。这就够了。一张画得不好但构图清晰的草图,可能比一段辞藻华丽却没有视觉支点的提示词更有用。

几点想跟朋友分享的心得

从一个本身就带点感觉的东西开始。一张你反复回看的草图。一个你用五种不同方式画过的角色。一张让你觉得该成为电影定格画面的照片。一段听着某首歌时突然涌现的场景。当你不是让工具替你发明审美时,它的表现会好得多。

不要等到想法完全成形才动手。一张构图清晰的粗略草图往往就够了。人物放在这里。手从那边伸出来。机位低。背景暗。光从他们身后打来。这样的图片能起到的作用,往往比一段听起来很美却毫无实质支撑的长提示词更大。

不确定的时候,问问 Flick。不确定该怎么做出某张静态画面、某段动态视频,甚至不确定你的故事该怎么讲的时候,去问问 Flick 的聊天助手吧。你会惊讶的。

留住那些“差一点就完美”的图片。它们才是最有用的。完美的图片几乎从来不会一次生成到位,而糟糕的图片通常就只是糟糕。但那种差一点就对的图片,能给你留下继续加工的空间。你可以修补它、裁剪它、在上面手绘修改、把它当作起始帧,或者让它告诉你这个场景真正需要的是什么。

当图片已经接近满意时,先别急着继续写提示词。把它拿到 Photoshop、Procreate、Affinity,或任何你惯用的软件里。修一修让你不满意的那部分。去掉那个奇怪的物体。清理一下那只手。让轮廓变得清晰可辨。把身体稍微挪动一点。把角落调暗一点。然后再拿回去用。几分钟的传统修图工作,往往能省下一整个小时反复求机器猜对的时间。

留心起始帧和结束帧。细微的差异能改变整段动画。头部稍微不同的倾斜角度、更干净的手臂形状、更平静的表情、不那么杂乱的背景。这些小细节能决定这段动作是显得生动,还是显得别扭。图像所传达的“指令”,远比表面看起来的要多。

保存那些意外之喜。大多数奇怪的输出都是可以丢弃的。但有些不是。有时模型误解了你的意思,反而给了你一个比原计划更好的切入这个场景的方式。你仍然需要自己判断哪些该留下,但这正是其中的乐趣所在。

AI 会让我变懒吗?

这个过程并没有让我觉得自己和创作脱节,反而不断把我拉回创作本身。回到画草图、修图、裁剪、比较、取舍、丢弃,以及留住那个说不清为什么却比“正确”那张更有生命力的怪异画面。我原以为 AI 那部分会是整个流程中最具未来感的环节,但很多时候,真正的进展其实来自于用眼睛、判断力和直觉做出的那些非常“经典”的决定。

这也是为什么我认为,如果一些有创造力的人真正花时间使用这些工具,而不是只在远处争论它们,可能会感到惊讶。

关于AI的讨论中,存在这样一种版本:艺术家消失了,机器自己把东西做出来。我理解人们为什么会对这种版本感到愤怒。我也不想要那种版本。但我实际的体验远比这更复杂、更有趣,也更好玩。

我依然要做出大量决策。我依然要判断哪里看起来不对。我依然要从坏的部分中抢救出好的部分。我依然要把图像带入另一个程序,用双手修正它。我依然要选择画面、塑造场景,并判断某样东西何时拥有了正确的感觉。

所以,当那些偏艺术派的人把AI贬低成不过是一个偷懒的按钮时,我能理解这种怀疑,但我也觉得他们可能低估了在这个按钮周围仍然发生着多少工作。

也许工作的形态变了。也许有些部分变快了。也许有些部分变得更奇怪了。也许这门手艺转移到了一些从外部更难描述的地方:准备图像、挑选种子、修复输出结果、留意意外之喜、在镜头之间建立连续性、在机器不断试图“跑偏做梦”的同时,让整个世界保持一致。

在我看来,这听起来并不像是创造性工作变少了。

这听起来像是一种不同形式的付出。

至少对我而言,这种付出打开了一些东西。那些过去只能悬浮在我脑海中的场景,突然有了归宿。那些粗糙的草稿,在纸面之外有了另一种生命。制作“无用”之美的想法,如今感觉不再那么遥远。

这就是我所说的“闸门打开”的意思。并不是说一切都变得容易了。

只是,第一次,许多事情让人觉得足够可行,可以开始去做了。