Hinter „müden Augen“

Über die Jahre hinweg war es eine meiner liebsten Beschäftigungen, Musik zu hören und in der Szene zu verschwinden, die der Song mir in den Kopf setzt.

Manchmal ist es sehr klar. Eine Figur, die durch einen Wald geht. Eine Kamera, die hinter jemandem schwebt. Eine seltsame Hand, die im Dunkeln erscheint. Manchmal ist es nur eine Stimmung, eine Farbe, oder das Gefühl, dass dort eine Szene sein sollte, auch wenn ich noch nicht weiß, welche. Ich habe dieses private kleine Kino den größten Teil meines Lebens im Kopf laufen gehabt, und die meiste Zeit ging ich davon aus, dass es genau dort bleiben würde.

Ich entwerfe, zeichne und mache interaktive Dinge für meinen Lebensunterhalt. Einen Film zu machen, selbst einen winzigen, erschien mir immer wie etwas, das zu einer anderen Version von mir gehörte, in einer anderen Zeitlinie, in der ich mehr Zeit, mehr Geld, mehr Geduld, mehr Menschen um mich herum und mehr technisches Können hätte. Ich dachte, vielleicht könnte ich irgendwann einige dieser Dinge Wirklichkeit werden lassen, wahrscheinlich viel später im Leben, vielleicht wenn ich älter wäre und mir das Recht verdient hätte, Auszeiten zu nehmen, um schöne, nutzlose Dinge ohne besonderen Grund zu erschaffen - aber nicht mit 35.

Der seltsamste Teil der Arbeit mit Flick war also, wie schnell diese alte Annahme ins Wanken geriet.

Flick in den Workflow integrieren

Anfangs habe ich hauptsächlich getestet. Ich habe Bilder erstellt, Shots ausprobiert, Prompts geändert, nach Charakteren gesucht, Dinge verworfen. Die Oberfläche wirkte fast verdächtig einfach, was mir gefiel, aber es ließ mich auch fragen, wie weit ich das Projekt darin wirklich treiben könnte. Nach einer Weile begannen sich die verstreuten Tests wie Teile einer Karte zu verhalten. Ein Bild schlug ein anderes vor. Ein misslungenes Frame gab mir eine bessere Idee für eine Szene. Ein Charakter, der in einer Generierung falsch aussah, hatte plötzlich in einer anderen genau das richtige Gefühl. Ich begann damit, mein eigenes handgezeichnetes Storyboard zu erstellen, aber dann bemerkte ich, dass die Geschichte, wenn ich in Flick herumprobierte, ihre Konturen auf eine Weise zeigte, an die ich noch nicht einmal gedacht hatte.

Der Chat war Teil davon, auch wenn ich ihn anfangs kaum genutzt habe. Ich behandelte ihn wie ein Hilfefenster. Später, als ich merkte, dass er auf das reagieren konnte, was auf dem Canvas passierte, wurde er nützlicher. Ich konnte ein Gefühl schlecht beschreiben, darauf im Bild verweisen und Hilfe bekommen, um dieses vage Gefühl in etwas zu verwandeln, das das Video-Modell besser verstand. Das war entscheidend. Ein Großteil der Arbeit bestand nach wie vor darin, dass ich auswählte, verwarf, korrigierte und es erneut versuchte, aber der Chat half mir, im Projekt zu bleiben, wenn ich sonst normalerweise ins Stocken geraten wäre, eine visuelle Idee in Anweisungen zu übersetzen.

Eine der nützlichsten Erkenntnisse hatte fast nichts mit dem Prompting zu tun. Wenn ein generiertes Bild schon nah dran war, erzielte ich deutlich bessere Ergebnisse, indem ich es auf meinem Computer speicherte und selbst überarbeitete.

Eine Hand war falsch. Ein Gesicht hatte den richtigen Ausdruck, aber die falsche Form. Ein Hintergrund war wunderschön, bis auf ein seltsames Objekt, das dort schwebte, wo nichts sein sollte. Manchmal war die Komposition genau das, was ich wollte, aber das Bild hatte eine kaputte kleine Stelle, von der ich wusste, dass sie sich verschlimmern würde, sobald sie sich zu bewegen begann. Also öffnete ich es in Photoshop und erledigte die mühsame, altbekannte Arbeit, um es dorthin zu bringen, wo ich es haben wollte.

Der Teil der Charaktererstellung war faszinierend. Es war so unterhaltsam und überwältigend, eine vage Silhouette in einen Charakter zu verwandeln, mit dem ich mich wirklich identifiziere. Dieser Moment war für mich vielleicht der eindrücklichste, denn er öffnete mir die Augen für die Möglichkeiten des World-Buildings.

Ich glaube, viele Menschen stellen sich die Arbeit mit KI so vor, dass man vor einem Prompt-Feld sitzt, bis die Maschine einem ein fertiges Ergebnis liefert. Vielleicht funktioniert es manchmal so. Meine Erfahrung war chaotischer und vertrauter. Es fühlte sich eher an wie eine Collage zu erstellen, ein Foto zu retuschieren oder ein Comp für einen Kunden zu bauen – nur dass sich das Comp plötzlich bewegen konnte, wenn ich es gut genug vorbereitet hatte.

Die groben Skizzen halfen auf dieselbe Weise. Sie mussten keine guten Zeichnungen sein. Manche waren nur deshalb nützlich, weil sie dem Bild sagten, wo die Dinge hingehören sollten: die Person hier, die Hand dort, die Kamera niedrig, der Körper klein, das Licht von hinten. Das reichte. Eine schlechte Zeichnung mit einer klaren Komposition konnte nützlicher sein als ein ausgefeilter Prompt ohne visuellen Ankerpunkt.

Ein paar Hinweise, die ich einem Freund geben würde

Beginne mit etwas, das bereits eine gewisse Energie in sich trägt. Eine Skizze, zu der du immer wieder zurückkehrst. Ein Charakter, den du schon auf fünf verschiedene Arten gezeichnet hast. Ein Foto, das sich anfühlt, als wolle es ein Filmstill sein. Eine Szene, die dir beim Hören eines Songs eingefallen ist. Das Tool verhält sich besser, wenn du es nicht bittest, deinen Geschmack für dich zu erfinden.

Warte nicht, bis die Idee vollständig ausgearbeitet ist. Eine grobe Zeichnung mit einer klaren Anordnung kann bereits genügen. Die Person steht hier. Die Hand kommt von dort. Die Kamera ist niedrig. Der Hintergrund ist dunkel. Das Licht kommt von hinten. So ein Bild kann mehr bewirken als ein langer Prompt, der wunderschön klingt, dem Modell aber nichts Konkretes bietet, an dem es sich festhalten kann.

Im Zweifel frag Flick. Wenn du dir unsicher bist, wie du ein bestimmtes Standbild, eine Videoanimation oder sogar deine Geschichte umsetzen sollst, frag einfach den Flick-Chat. Du wirst überrascht sein.

Behalte die fast richtigen Bilder. Das sind die nützlichen. Das perfekte Bild kommt fast nie auf Anhieb, und das schlechte Bild ist meist einfach nur schlecht. Aber das fast richtige Bild gibt dir etwas, mit dem du arbeiten kannst. Du kannst es reparieren, zuschneiden, übermalen, als Startframe verwenden oder dich davon lehren lassen, was die Szene wirklich braucht.

Wenn das Bild nah dran ist, höre eine Weile auf zu prompten. Nimm es in Photoshop, Procreate, Affinity oder was auch immer du verwendest. Behebe den Teil, der dich stört. Entferne das seltsame Objekt. Bereinige die Hand. Mach die Silhouette lesbar. Verschiebe den Körper ein wenig. Verdunkle die Ecke. Dann bring es zurück. Ein paar Minuten altmodische Bildbearbeitung können dir eine Stunde ersparen, in der du die Maschine bittest, besser zu raten.

Achte auf Start- und Endframes. Kleine Unterschiede können die gesamte Animation verändern. Ein leicht anders geneigter Kopf, eine sauberere Armform, ein ruhigerer Gesichtsausdruck, ein weniger verwirrender Hintergrund. Diese kleinen Dinge können darüber entscheiden, ob sich die Bewegung lebendig oder kaputt anfühlt. Das Bild gibt mehr Anweisungen, als es den Anschein hat.

Bewahre die glücklichen Zufälle. Die meisten seltsamen Ergebnisse sind Wegwerfmaterial. Manche nicht. Manchmal versteht das Modell dich falsch und liefert dir einen besseren Einstieg in die Szene, als du geplant hattest. Du musst trotzdem entscheiden, was dazugehört, aber das gehört zum Spaß dazu.

Macht mich KI faul?

Der Prozess ließ mich nicht distanziert von der Arbeit fühlen. Er schickte mich immer wieder zurück in die Arbeit. Zurück zum Zeichnen, Reparieren, Zuschneiden, Vergleichen, Auswählen, Verwerfen, zum Behalten des merkwürdigen Frames, der irgendwie mehr Leben hatte als der korrekte. Ich hatte erwartet, dass der KI-Teil sich wie der futuristischste Teil des Prozesses anfühlen würde, aber oft kam der eigentliche Fortschritt aus sehr „klassischen“ Entscheidungen, getroffen mit Auge, Urteilsvermögen und Intuition.

Auch deshalb glaube ich, dass manche kreativen Menschen überrascht sein könnten, wenn sie tatsächlich Zeit mit diesen Tools verbringen würden, statt nur aus der Distanz über sie zu streiten.

Es gibt eine Version des KI-Diskurses, in der der Künstler verschwindet und die Maschine einfach das Ding erschafft. Ich verstehe, warum Menschen über diese Version verärgert sind. Ich möchte diese Version auch nicht. Aber die tatsächliche Erfahrung, die ich gemacht habe, war viel involvierter, spaßiger und interessanter als das.

Ich musste immer noch viele Entscheidungen treffen. Ich musste immer noch wissen, was falsch aussah. Ich musste immer noch die guten Teile aus den schlechten retten. Ich musste das Bild immer noch in ein anderes Programm bringen und es mit meinen eigenen Händen korrigieren. Ich musste immer noch das Bild auswählen, die Szene formen und entscheiden, wann etwas das richtige Gefühl hatte.

Wenn also kunstaffine Menschen KI abtun, als wäre sie nur ein fauler Knopf, verstehe ich den Verdacht, aber ich denke auch, dass sie möglicherweise unterschätzen, wie viel Arbeit noch rund um diesen Knopf passiert.

Vielleicht verändert die Arbeit ihre Form. Vielleicht werden manche Teile schneller. Vielleicht werden manche Teile seltsamer. Vielleicht verlagert sich das Handwerk an Orte, die von außen schwerer zu beschreiben sind: das Bild vorbereiten, den Seed auswählen, das Ergebnis reparieren, den Zufallstreffer bemerken, Kontinuität zwischen den Einstellungen aufbauen, eine Welt konsistent halten, während die Maschine immer wieder versucht, seitwärts zu träumen.

Das klingt für mich nicht nach weniger kreativer Arbeit.

Es klingt nach einer anderen Art des Hebens.

Und für mich zumindest hat dieses Heben etwas geöffnet. Die Szenen, die früher nur in meinem Kopf schwebten, hatten plötzlich einen Ort, an den sie gehen konnten. Die groben Zeichnungen bekamen ein weiteres Leben jenseits des Blatts. Die Idee, „nutzlose“ schöne Dinge zu erschaffen, fühlt sich nicht mehr so fern an.

Das meine ich mit den sich öffnenden Schleusen. Nicht, dass alles einfach wurde.

Nur, dass sich zum ersten Mal so viele Dinge machbar genug anfühlten, um überhaupt anzufangen.