「Happy Souls Alive」の舞台裏
Sep 2026
「Happy Souls Alive」を始める前に、シンプルな疑問に何度も立ち戻りました:
何が私たちに価値があると感じさせるのか?
自分自身の価値を信じるだけで十分なのか、それとも他の人にもそれを信じてもらう必要があるのか?
時には、単に何かであるだけでは十分ではないという考えに興味を持つようになりました。私たちはそれを証明する方法を探します:成功している、面白い、美しい、勇敢、才能がある、あるいは他の誰かとは何か違うということを。そして、価値に証明が必要になると、別の疑問が現れます:
信じてもらうために、私たちは自分自身の何を変える覚悟があるのか?
それがHappy Souls Aliveの出発点となりました。
この映画は、3人の旅人が魔女についての並外れた物語を持って戻ってくる小さな町が舞台です。それぞれが不可能な旅を生き延びたと主張し、自分が価値ある存在であることの証明として、彼女から平凡な物を受け取ったと言います。
彼らの物語は互いに矛盾していますが、それは実際には重要ではありません。 町の人々は彼らを信じています。
すぐに、誰もが自分自身の証明を欲しがるようになります。
彼らは奇妙な物を地元の仕立て屋に持ち込み始め、それらを精巧な衣装に仕立ててほしいと頼む。美しさ、勇敢さ、知性、重要性、あるいは他人に信じてもらいたい物語の物的証拠として。
物語が説得力を増すほど、その人の存在は目立つようになる。
そして仕立て屋が他の人々を目立たせている間に、彼女自身はゆっくりと背景へと消えていく。
その矛盾が映画の核心となった。
世界観の構築
私はこの物語を叙情的な、ほとんどおとぎ話のような世界に存在させたかった。注目されたい、称賛されたい、あるいは他の誰かと区別されたいという欲求は新しいものではない。人々は常に自分が何者であるか、そして時には他人に信じてもらいたい自分が何者であるかを伝える方法を探してきた。これが現代を舞台にしたくなかった理由の一つだ。代わりに、この感情を予想外の場所に置いた。1790年代の小さな町だ。
この世界は部分的にグリム童話からインスピレーションを得ている。空想的で手作りの雰囲気を持ちながら、その下に何か暗いものがある世界にしたかった。そこは誰もが必死に違って見えようとしながら、ゆっくりとまったく同じ行動に参加している場所だ。
世界観を理解すると、物語を担うことができるキャラクターを探し始めた。
トルコのことわざ「仕立て屋は自分の破れを縫えない」を考え続けていた。これは他の人を助けることはできても、なぜか自分自身には同じことができない人を表している。
それが仕立て屋の基礎となった。彼女の手は町の誰もを変える。彼女は労力を注ぎ、衣装を作り、人々が他人に信じてもらいたい物語に物理的な形を与える。しかし、その仕事自体はほとんど目に見えないままだ。
町の人々は彼女の店を出て、こう言っているかのような何かを運んでいく。
私もここに属している。私も価値がある。
一方、そのすべてを可能にした人物は背景に留まり続ける。
仕立て屋も見られたいと思っている。最初、彼女は静かに自分のためにシンプルなものを作る。手作りのバラだ。しかし、それだけでは自分が着飾らせた人々の中に居場所を得るのに十分ではないと分かると、彼女は選択を迫られる。
自分自身のままでいるか、それとも他の誰もに作ってきたのと同じ種類の偽りの証拠を作るか。
それが彼女の変化を駆り立てる問いとなった。
AIによる演出
AIを使った作業で私が楽しんでいることの一つは、結果が常に想像通りに現れるわけではないということです。
私は特定のイメージやカメラの動きを念頭に置いて始めるかもしれませんが、時には制作過程で予期しないものが現れることがあります。奇妙な構図、意図しないジェスチャー、または異なる動きが、これまで考えていなかった方向性を示唆することがあるのです。
私はそうした瞬間をすぐに拒絶しないことを学びました。代わりに、それらがシーンをより強くできるかどうかを問い始めたのです。私にとって、これはコントロールを放棄することを意味しません。シーンの意図は明確である必要があります。キャラクターが何を感じているか、観客が何を理解すべきか、そしてその瞬間の終わりまでに何が変化する必要があるかを知っている必要があります。柔軟に保つことができるのは、そこに到達する方法なのです。
AIが私にとって有用になったのは、それが私のために決定を下したからではなく、時には選択できる予期しない可能性を与えてくれたからです。
制作プロセスと撮影
制作は最初から最後まで約4〜5週間かかりました。まず脚本を完成させ、最終的な画像を生成する前に、Flickpediaでビジュアルリファレンスのライブラリを構築しました。色とムードごとにリファレンスを整理したことで、作りたい世界を理解することができました。
制作過程のかなり早い段階で映画のポスターも作りました。それは最終的な映画に必ずしも必要なものではありませんでしたが、ビジュアルのトーンを確立するのに役立ちました。このストーリーは風変わりに感じられる必要があるが、同時に暗く、わずかに不穏でもある必要があることがわかっていました。そこから全体的なスタイルを固定し、キャラクターと環境の開発を始めました。
最大の課題の一つは、世界の視覚的な一貫性を保ちながら複数のセットを構築することでした。AI映画制作では、最初からスタイルを明確に定義することが大きな違いを生むことを学びました。リファレンスが強く一貫性があるほど、異なる生成ツールを同じビジュアル世界に導くことが容易になります。
また、環境を単に背景として扱うのではなく、プロダクションデザイナーのようにアプローチすることを試みました。空間は時代に適していると感じられる必要がありましたが、脚本で直接説明されていないことを伝える必要もありました。色、建築、照明、オブジェクト、さらにはキャラクターの周りの空間の量でさえ、シーンが伝えようとしていることに貢献できます。私にとって、それは映画の感情的かつ視覚的なトーンを確立する重要な部分となりました。
制作プロセスの中で私が本当に楽しんだもう一つの部分は、カメラ言語の実験でした。Flickの3D Stageを使用することで、最終ショットを生成する前に特定のカメラアングルと動きを探求することができました。プロンプトでカメラの動きを説明するだけでなく、求めているものに対するはるかに明確なビジュアルリファレンスを構築することができたのです。
映画の中のショットの一つにこのプロセスをどのように使用したかを示す短いチュートリアルを以下に含めました。
リンク: https://drive.google.com/file/d/1b7G5tz8AFWfEGC6nm-3zgNvlUN9EFWRs/view?usp=sharing
また、Flickのワークフロー内で利用できる色調整コントロールも驚くほど便利でした。作業中に素早く調整できることで、異なるショットが同じ映画に属しているように感じさせることが容易になりました。
最も困難だった部分:群衆シーン
私が直面した最大の技術的制約は、群衆シーンの作成でした。これは静止画生成でも困難でしたが、特に動画生成では一層難しくなりました。Seedanceに仕立て屋のリファレンス画像を与えると、群衆全体に彼女を複製したり、彼女によく似た人々を生成したりしようとすることが多かったのです。これは問題でした。なぜなら、物語は仕立て屋が町の人々と視覚的に区別されていることに依存しているからです。
私は強力なリファレンスフレームの作成、キャラクターの配置のコントロール、そして時には動画生成に移る前にショットを簡略化することに、より多くの時間を費やしました。
しかし最終的に、その制約が映画をより強い方向に押し進めることになりました。
いくつかのシーンで、私は町の人々を完全に定義された個人としてではなく、シルエットとして使い始めました。
当初、これは技術的な解決策でした。しかし結果的に、物語をより良くサポートすることになったのです。
Happy Souls Aliveの群衆は、決して個々の人々についてのものではありませんでした。それは仕立て屋を取り巻くプレッシャー、彼女が入りたいと願いながらも決して完全には一部になれない集団的な視線を表していました。
群衆を個性的でなくすることで、それがより一つの力のように感じられるようになりました。この場合、制作上の制約が最終的に映画の視覚言語の一部となったのです。
まとめ
AIは、Happy Souls Aliveを私の頭の中にあったアイデア以上のものにすることを可能にしました。
しかしプロセス全体を通して、私はすべての決定を意識的に、意図を持って行うよう努めました。
シーンに取り組むたびに、私は自分自身にいくつかのシンプルな質問を投げかけ続けました:
このシーンは物語を前に進めているか? その目的は何か? 何か新しいことを明らかにしているか? 観客はここで何を感じるべきか? フレーミング、構図、または視覚言語は、対話だけでは伝えられない何かを伝えることができるか?
そしてシーンを完成させた後、もう一つの質問をしました:
この瞬間の後、何かが変わったか?
私にとって、このプロセスで最も重要だったのは、すべての選択に意味を持たせることでした。
AIは動き、ディテール、視覚的な複雑さを非常に素早く追加でき、その可能性は今後も拡大し続けるでしょう。私にとって興味深いのは、それらの可能性をどう活用するかを決めることです。なぜそのシーンが存在するのか、それが私たちにどんな感情を与えるのか、そしてそれがストーリーにどう貢献するのかということです。
映画を意味のあるものにするのは、単にテクノロジーが何を生み出せるかではなく、その背後にいる人が何を伝えようとしているか、そしてそれをどのように表現するかを選択することなのです。
それこそが、AIを使った映画制作について私がワクワクする理由でもあります。誰もが似たようなツールを使うことができますが、私たちの観察の仕方、決断の下し方、意味の構築の仕方、アイデアの表現の仕方は常に異なります。そして、もしあなたの心に残るもの、好奇心をそそられるもの、疑問を持ちたいもの、あるいは単に表現する必要を感じるものがあり、それを実現するツールを手にしたなら、どのように作られたかは、あなたがそれで何を伝えようとしているかよりも重要ではなくなり始めるのです。
このプロジェクトを通じて、Flickは私にそのプロセスを探求し、自分なりのストーリー表現方法を見つける場を与えてくれました。