Dietro "Happy Souls Alive"

Prima di iniziare "Happy Souls Alive", continuavo a tornare su una semplice domanda:

Cosa ci fa sentire degni?

È sufficiente credere nel nostro valore, o abbiamo bisogno che anche altre persone ci credano?

Mi sono interessato all'idea che a volte essere semplicemente qualcosa non basta. Cerchiamo modi per dimostrarlo: che siamo di successo, interessanti, belli, coraggiosi, talentuosi, o in qualche modo diversi da tutti gli altri. E una volta che il valore ha bisogno di una prova, appare un'altra domanda:

Cosa siamo disposti a cambiare di noi stessi per essere creduti?

Quello è diventato il punto di partenza per Happy Souls Alive.

Il film si svolge in una piccola città dove tre viaggiatori tornano con storie straordinarie su una strega. Ognuno sostiene di essere sopravvissuto a un viaggio impossibile e di aver ricevuto da lei un oggetto ordinario come prova di essere degno.

Le loro storie si contraddicono a vicenda, ma non importa davvero. La città ci crede.

Presto, tutti vogliono una prova propria.

Iniziano a portare strani oggetti dalla Sarta locale, chiedendole di trasformarli in abiti elaborati: prove fisiche di bellezza, coraggio, intelligenza, importanza, o qualsiasi storia vogliano che gli altri credano.

Più la storia diventa convincente, più la persona diventa visibile.

E mentre la Sarta aiuta tutti gli altri a diventare visibili, lei scompare lentamente sullo sfondo.

Quella contraddizione è diventata il cuore del film.

Trovare il Mondo

Volevo che la storia esistesse in un mondo lirico, quasi da favola. Il desiderio di essere notati, ammirati, o in qualche modo separati dagli altri non è qualcosa di nuovo. Le persone hanno sempre cercato modi per comunicare chi sono, e talvolta chi vorrebbero che gli altri credessero che siano. Questa è una delle ragioni per cui non volevo ambientare la storia ai giorni nostri. Invece, ho collocato questo sentimento in un luogo inaspettato: una piccola città nel 1790.

Il mondo è stato in parte ispirato dalle fiabe dei Grimm. Volevo che sembrasse fantasioso e fatto a mano, ma con qualcosa di più oscuro sotto la superficie. È un luogo dove tutti cercano disperatamente di apparire diversi mentre lentamente partecipano esattamente allo stesso comportamento.

Una volta compreso il mondo, ho iniziato a cercare il personaggio che potesse portare la storia.

Continuavo a pensare al detto turco: "Il sarto non può cucire il proprio strappo." Descrive qualcuno che può aiutare tutti gli altri ma in qualche modo non può fare lo stesso per sé stesso.

Quello è diventato il fondamento della Sarta. Le sue mani trasformano tutti in città. Lei mette il lavoro, crea gli abiti e dà forma fisica alle storie che le persone vogliono che gli altri credano su di loro. Eppure il lavoro stesso rimane quasi invisibile.

Gli abitanti della città lasciano il suo negozio portando qualcosa che sembra dire:

Appartengo anch'io a questo luogo. Sono degno anch'io.

Nel frattempo, la persona che ha reso tutto possibile resta sullo sfondo.

La Sarta vuole essere vista anche lei. All'inizio, crea silenziosamente qualcosa di semplice per sé stessa: una rosa fatta a mano. Ma quando questo non è abbastanza per guadagnarle un posto tra le persone che ha vestito, deve fare una scelta:

Rimane sé stessa, o crea lo stesso tipo di falsa prova che ha creato per tutti gli altri?

Quella divenne la domanda che guidò la sua trasformazione.

Dirigere con l'IA

Una delle cose che apprezzo del lavoro con l'IA è che il risultato non arriva sempre esattamente come l'avevo immaginato.

Potrei iniziare con un'immagine specifica o un movimento di camera in mente, ma a volte qualcosa di inaspettato appare nel processo. Una composizione strana, un gesto non intenzionale o un movimento diverso possono suggerire una direzione che non avevo considerato prima.

Ho imparato a non rigettare immediatamente quei momenti. Invece, ho iniziato a chiedermi se potessero rendere la scena più forte. Per me, questo non significa rinunciare al controllo. L'intenzione della scena deve comunque essere chiara. Devo sapere cosa sta provando il personaggio, cosa il pubblico dovrebbe capire e cosa deve cambiare alla fine del momento. Ciò che può rimanere flessibile è il modo in cui ci arrivo.

L'IA è diventata utile per me non perché prendeva quelle decisioni al posto mio, ma perché a volte mi dava possibilità inaspettate tra cui scegliere.

Processo di Produzione e Cinematografia

La produzione ha richiesto circa quattro o cinque settimane dall'inizio alla fine. Ho iniziato completando la sceneggiatura e, prima di generare qualsiasi immagine finale, ho costruito una libreria di riferimenti visivi in Flickpedia. Ho organizzato i riferimenti per colore e atmosfera, il che mi ha aiutato a comprendere il mondo che volevo creare.

Ho persino realizzato un poster del film abbastanza presto nel processo. Non era qualcosa di cui avessi necessariamente bisogno per il film finale, ma mi ha aiutato a stabilire il tono visivo. Sapevo che la storia doveva sembrare fantasiosa, ma anche oscura e leggermente inquietante. Da lì, ho definito lo stile generale e ho iniziato a sviluppare i personaggi e gli ambienti.

Una delle sfide più grandi è stata costruire più set mantenendo il mondo visivamente coerente. Ho imparato che nel cinema con l'IA, definire chiaramente lo stile dall'inizio fa un'enorme differenza. Più forti e coerenti sono i riferimenti, più diventa facile guidare diversi strumenti di generazione verso lo stesso mondo visivo.

Ho anche cercato di affrontare gli ambienti più come un production designer piuttosto che trattarli semplicemente come sfondi. Gli spazi dovevano sembrare appropriati al periodo, ma dovevano anche comunicare cose che non erano mai spiegate direttamente nella sceneggiatura. Colore, architettura, illuminazione, oggetti e persino la quantità di spazio vuoto attorno a un personaggio potevano contribuire a ciò che una scena stava dicendo. Per me, questo è diventato una parte importante nello stabilire il tono emotivo e visivo del film.

Un'altra parte del processo che ho apprezzato molto è stata la sperimentazione con il linguaggio della camera. Usare lo Stage 3D di Flick mi ha permesso di esplorare angoli di camera e movimenti specifici prima di generare le inquadrature finali. Invece di descrivere solo un movimento di camera in un prompt, potevo costruire un riferimento visivo molto più chiaro per ciò che volevo.

Ho incluso un breve tutorial qui sotto che mostra come ho usato questo processo per una delle inquadrature del film.

Link: https://drive.google.com/file/d/1b7G5tz8AFWfEGC6nm-3zgNvlUN9EFWRs/view?usp=sharing

Inoltre, avere i controlli di regolazione del colore all'interno di Flick, disponibili nel flusso di lavoro, è stato anche sorprendentemente utile. Poter fare regolazioni rapide mentre lavoro ha reso più facile mantenere diverse inquadrature con la sensazione di appartenere allo stesso film.

La Parte Più Difficile: Le Folle

La maggiore limitazione tecnica che ho incontrato è stata la creazione di scene con la folla. Questo era difficile nella generazione di immagini statiche e specialmente nella generazione video. Quando fornivo a Seedance un'immagine di riferimento della Sarta, spesso voleva replicarla in tutta la folla o generare persone che le assomigliavano molto. Questo è diventato un problema perché la storia dipende dal fatto che la Sarta si senta visivamente separata dalla gente del paese.

Ho trascorso molto più tempo a creare fotogrammi di riferimento solidi, controllare il posizionamento dei personaggi e talvolta semplificare le inquadrature prima di passare alla generazione video.

Alla fine, però, quella limitazione ha spinto il film in una direzione più forte.

In diverse scene, ho iniziato a usare la gente del paese come sagome piuttosto che come individui completamente definiti.

All'inizio, questa era una soluzione tecnica. Ma alla fine ha supportato molto meglio la storia.

La folla in Happy Souls Alive non è mai stata davvero composta da singole persone. Rappresentava la pressione che circonda la Sarta, lo sguardo collettivo in cui vuole entrare ma di cui non può mai diventare completamente parte.

Rendere la folla meno individuale ha contribuito a farla sentire più come una forza unica. In questo caso, una limitazione produttiva è finita per diventare parte del linguaggio visivo del film.

Riepilogo

L'AI ha reso possibile per Happy Souls Alive diventare più di un'idea che avevo in testa.

Ma durante tutto il processo, ho cercato di prendere ogni decisione in modo consapevole e intenzionale.

Ogni volta che mi avvicinavo a una scena, continuavo a pormi alcune semplici domande:

Questa scena fa avanzare la storia? Qual è il suo scopo? Sto rivelando qualcosa di nuovo? Cosa dovrebbe provare il pubblico qui? Possono l'inquadratura, la composizione o il linguaggio visivo comunicare qualcosa che il dialogo da solo non può?

E dopo aver finito una scena, ne ponevo un'altra:

Dopo questo momento, è cambiato qualcosa?

Per me, la parte più importante del processo è stata assicurarmi che ogni scelta avesse un significato.

L'AI può aggiungere movimento, dettagli e complessità visiva molto rapidamente, e queste possibilità continueranno solo a crescere. Per me, la parte interessante è decidere cosa fare con queste possibilità: perché una scena esiste, cosa ci fa provare e come serve la storia.

Ciò che rende un film significativo non è semplicemente ciò che la tecnologia è in grado di produrre, ma ciò che la persona dietro di essa sta cercando di dire e come sceglie di dirlo.

Questo è anche ciò che mi entusiasma del filmmaking con AI. Tutti possono lavorare con strumenti simili, ma il modo in cui osserviamo, prendiamo decisioni, costruiamo significato ed esprimiamo un'idea sarà sempre diverso, e se c'è qualcosa che ti resta dentro, qualcosa che ti incuriosisce, qualcosa che vuoi mettere in discussione, o semplicemente qualcosa che senti il bisogno di esprimere, e ora hai gli strumenti per dargli vita, il modo in cui è stato fatto inizia a sembrare meno importante di ciò che stai cercando di dire con esso.

Durante questo progetto, Flick mi ha dato uno spazio per esplorare quel processo e trovare il mio modo di esprimere la storia.